La producción de audio es una cadena, tanto de elementos como de eventos. Cada detalle suma o resta calidad al resultado global, por eso hemos de tener especial cuidado con cada paso que damos, para evitar problemas en el futuro y siempre sumar calidad a nuestro audio a medida que avanzamos en el proceso creativo.
Si tienes acceso a carísimos previos y compresores de válvulas y salas de grabación de primera, no lo dudes y utilízalos. Pero eso no es lo común en la mayoría de estudios caseros. Por suerte para los mortales, ahora más que nunca es posible producir audio de calidad profesional sin salir de casa.
El Repertorio
El repertorio a grabar es lo más importante y a lo que se debe todo el proceso de grabación, así que hay que prestar especial atención al mismo. Los temas deben estar completamente terminados y el/la/los intérpretes deben conocerlos perfectamente, por lo que han de entrar al estudio preparados para interpretar el repertorio en cualquier orden y conocer cada detalle de cada canción, no sólo los que atañen a su instrumento, sino los que todos los que tienen que ver con el grupo al completo.
Una opción para grupos es tocar varias veces en el ensayo los temas que se van a grabar, haciendo tomas donde uno de los miembros no toca, sólo escucha. Al alternar escuchas, se tiene una visión más clara del bloque y se pueden pulir los detalles de forma colectiva.
Asímismo, un intérprete debería estar capacitado para interpretar un tema 2/3 veces seguidas y darlo por zanjado. Si no es capaz de ello, quizás aún no está preparado para grabar y deba plantearse el ensayo con más intensidad.
Por otro lado, para músicos poco experimentados o para producir un tema tú solo, hay soluciones “mágicas”, pues hay técnicas como la grabación por módulos (grabar la estrofa, luego el cambio, luego el estribillo y duplicar todas las partes que se repitan), el “pinchado“ o la edición para subsanar errores de interpretación, poner a tempo una parte de la canción, mover una estrofa o un puente a un lugar diferente o incluso corregir los desafines de un cantante inexperto. Viva la era digital…
Prepara el backline y cuida tus voces
Otro factor importantísimo es el estado de los instrumentos y amplificadores con los que se va a grabar. De nada sirve tocar como Satriani si lo hacemos con una guitarra con cuerdas oxidadas o con un amplificador con las válvulas trilladas o el atlavoz rajado. El estado de nuestro backline es también esencial para que lo que tocamos suene como debe y para que el resultado final tenga calidad. Debemos cambiar parches de batería y cuerdas de guitarra y bajo, chequear amplificadores (válvulas o ruidos extraños), usar cableado de calidad y descansar la voz un par de días antes de cantar y prepararla para dar el “Do de pecho” haciendo un tratamiento específico (agua, manzanilla y miel van como la seda).
Posicionando la Microfonía de forma efectiva
Una combinación de micros apropiados y buen cableado garantiza que tendremos la reproducción más fidedigna posible de la señal original que pretendemos grabar. Hay dos tipos de micros al alcance de cualquier usuario: Micros de cardioide, ideales para señales amplificadas o con alto volúmen (cajas, timbales, amplis de guitarra…) y Micros de condensador, ideales para señales en vivo o débiles (voces, coros, violines, aéreos, vientos, acústicas…).
Siempre debemos utilizar micros y cables adecuados para cada situación y no debemos escatimar tiempo en probar distintas configuraciones y posicionamientos. Debemos grabar una toma y escucharla y reposicionar los micros hasta que tengamos un sonido que nos guste y que contenga cuantos más matices del original mejor. Invertir tiempo ahora nos dará un mejor sonido después y más comodidad para mezclar el proyecto.
Una buena técnica puede ser la del «triple intento«, es decir, colocamos el micro, grabamos, lo movemos, grabamos, y lo volvemos a mover a una tercera ubicación y grabamos. Luego comparamos las tres tomas y eso nos dará un abanico de posibilidades suficientemente amplio como para saber dónde colocar definitivamente el micro, basándonos en el sonido que buscamos, en el sonido que más nos ha gustado en ese momento o en elegir el que «menos mal» suene de los tres, que todo es posible.
Nivel de Entrada
Cuando grabamos señal en un dispositivo digital, al contrario que en los analógicos tradicionales, debemos pensar que cuanto menos “espacio” dejemos en nuestra onda (es decir, cuanto menos distancia haya desde nuestro nivel de entrada máximo hasta 0 dB), peor rendimiento de la computadora y del software obtendremos, porque una cinta analógica y un ordenador tienen procedimientos bien distintos para el tratamiento de la señal. Sin entrar en detalles técnicos, es interesante que nuestro nivel de entrada en cada pista esté entre el 50% y el 65% del rango total (el 0% es ausencia de señal y el 100% lo alcanzas cuando la señal llega al rojo – clip – que es el 0 digital y que nunca deberíamos alcanzar en ninguna de las situaciones de procucción). En números llanos, la señal debería estar entre -18 y -14dBFS.
Esto se debe a que las cintas y los dispositivos analógicos producían un ruido (hiss) y, por ello, la relación señal-ruido debía ser excelente, dado que luego, al sumar todas las pistas e inflarlas en la mezcla, si esta relación señal-ruido no era la apropiada, nuestro máster quedaba manchado por todo ese ruido de fondo. Los dispositivos digitales no tienen el problema del ruido, dado que manejan ceros y unos, sin cables, cintas ni cacharros de por medio.
Así que ¿por qué quemar el nivel de entrada? No es necesario y nuestro ordenador va a responder mejor a señales templadas que a señales muy calientes.
Limpieza y Orden
Es bueno usar un directorio diferente para cada proyecto y mombrar las pistas adecuadamente antes de grabar (bajo linea, bajo ampli, guitarra solo, bombo, caja arriba, caja abajo…). Cuando llegue el momento de mezclar o de recuperar una sesión en el futuro, resultará mucho más sencillo identificar todo lo que necesitamos para terminar el proyecto al tenerlo todo en una sola carpeta y nombrado correctamente.
También se puede llevar un inventario en papel o en un .doc de cada proyecto y su contenido. Ayuda mucho a saber qué hay en cada proyecto y qué falta por grabar
Sesiones de grabación y plazos
Una vez en el estudio, es importante que sigamos un orden lógico para que la grabación no se convierta en una trampa (si produces 15 temas de 30 pistas cada uno te puedes volver literalmente loco si no tienes una metodología de trabajo coherente y calculada).
– Orden lógico de grabación: Debemos grabar siempre que podamos con metrónomo. Es esencial para que las canciones no suenen amateur y para poder luego editar cualquier parte de las mismas o añadir loops cómodamente. Podemos empezar por grabar una guía de guitarra/piano y voz siguiendo al metrónomo, para que todos los intérpretes puedan oírla por cascos al grabar y puedan seguir la canción cómodamente. Luego grabar baterías, quitar el metrónomo y grabar bajos, guitarras, teclados y voces. Al quitar el metrónomo, los demás instrumentistas seguirán a la batería, que es lo natural. Trabajar con loops o instrumentos programados nos ahorra el uso de metrónomo.
– Duración: Debemos intentar no hacer sesiones de grabación muy largas. Un intérprete no te dará nada mejor de lo que ya tienes a partir de la 4 toma. Es absurdo seguir intentándolo y ahorrarás tiempo y saturación de material (no es lo mismo elegir entre dos tomas de bajo que entre seis, y mucho menos editarlas).
– Caducidad: Debemos establecer una fecha de producción y fin de proyecto y cumplir el calendario. A veces nos cuesta terminar un proyecto, más aún si es nuestra música y tenemos el estudio en casa. La revisión constante de mis temas no ayuda nada a mejorarlos y torpedea su publicación y mi avance a una nueva producción. No perdamos más tiempo del debido y demos salida a nuestro material con coherencia y, si dentro de 3 meses nos suena a rayos, anoratemos todos los errores para no cometerlos en el próximo proyecto.
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