Igual que se aprende a montar en bicicleta a base de caerse mil veces e igual que se gana una Olimpiada a base de entrenar a hierro durante años, el éxito en el mundo de la producción no es algo que viene de un día para otro.
Hace falta invertir tiempo en hábitos saludables que nos ayuden a mejorar nuestros resultados. Y, por suerte, es mucho más sencillo que montar en bici o entrenar como un deportista de élite.
Aquí te dejo 5 reflexiones que considero pilares del éxito en el Estudio en casa. Espero que sirvan (y muy bien) al tuyo.
1. Intenta Huír de las Reglas y Desarrolla tu Propio Criterio
En la era pre-internet era complicado encontrar la cantidad de información que tenemos a nuestro alcance hoy en día. Eran tiempos ideales para vivir en la desinformación y acatar reglas absurdas dejándonos dominar por el miedo y el desconocimiento.
Recuerdo mis comienzos en el mundo del audio como tiempos donde tomaba nota de todo lo que pasaba por mis manos y lo tomaba como una religión, especialmente si funcionaba en una de mis mezclas. Sin embargo, las reglas, en primer lugar, son sólo corsés que nos aprietan cuando no conocemos el entorno en el que nos movemos y, en segundo, están hechas para quebrantarlas. Y en el mundo de la producción de audio en casa no es diferente.
Internet ha traído luz y, también, mucha información de dudosa base empírica y, desgraciadamente, muchísima basura también. Así que buscar en la red normas que rijan nuestro funcionamiento puede ser un suicidio. No digo que esté mal buscar información en la red, sino que debemos filtrar qué es útil y qué no lo es, dado que buscamos en un medio donde cualquiera puede publicar lo primero que se le ocurra.
Parece mucho más sensato intentar encontrar aquellos detalles que nos encandilan de la música que consumimos y producimos. Intentar filtrar la información y crear nuestras propias reglas que nos sirvan justo para ser libres, por raro que suene.
No hagamos caso de nada más que nuestro instinto, sentido común y experiencia a la hora de acatar reglas. Hagamos acopio de toda la información relevante que podamos, pero recordemos que nadie puede decirnos qué hacer o qué no hacer o qué esta bien y qué está mal. Al final, todo se basa en un buen sonido final, independientemente de cómo se llegue a él.
La única regla que funciona es la de si suena bien, está bien.
2. Entena tus Oídos
Ya vimos en el primer video del curso La Ecualización de Principio a Fin que el entrenamiento auditivo es esencial para mejorar en esto de la producción. No podemos sonar bien si no sabemos qué es sonar bien y cómo podemos conseguirlo.
Vimos también que hay herramientas gratuitas como SoundGym.co que nos permiten hacer ejercicios regularmente para mantener nuestras orejas en forma, y yo los recomiendo encarecidamente.
No obstante, hay otras formas de entrenar el oído, y una tremendamente fácil y llevadera es simplemente escuchar música de forma analítica y crítica. Punto. Escuchar todo tipo de música a través de tu sistema de mezcla te ayudará a hacerte al sonido de los grandes de la industria y encontrar las fallas de tus productos al compararlos con los de ellos, tal y como comentábamos en el post anterior.
También es bueno elegir, digamos, 5 canciones (esas que te vuelven locx y que has escuchado en mil sistemas distintos y siempre suenan bien – mételas en un pendrive y llévalas contigo). Ahora toca escucharlas en todos lados y estudiar qué es lo que te engancha de cada una de ellas, qué cualidades las hacen únicas y cómo puedes llegar a conseguir ese sonido en tus propias mezclas.
Además, si escuchas repetidamente esas 5 canciones y las haces tuyas a nivel sonoro, cuando las oigas en cualquier sistema, sabrás automáticamente qué devuelve el sistema en concreto, por lo que sabrás dónde están sus fallas simplemente porque sabes de sobra cómo suenan esas canciones en el resto de reproductores.
La idea es saber en cada momento cómo sonarían estos 5 temas en un equipo en concreto. Así podremos hacer sonar nuestros trabajos mucho más conscientemente.
3. Escucha tus Producciones en distintos Sistemas
Otro de los pilares de la evolución en el estudio es referenciar tus producciones en distintos sistemas. En la mayoría de estudios profesionales hay varios juegos de altavoces para ir cambiando de uno a otro y ver qué tal traduce la mezcla.
En el estudio en casa la cosa es más complicada, pero no por ello imposible. Tenemos auriculares, laptops, teléfonos móvil, el coche, el hifi de casa… En realidad, hay mil sistemas por los que podemos escuchar y analizar nuestra música. Y son justo los sistemas que utilizarán la mayoría de nuestros oyentes potenciales una vez acabado el trabajo.
Es importante chequear que nuestras producciones se trasladan bien a cualquier sistema de reproducción. De hecho, a todxs nos ha pasado que mezclamos algo en casa y creemos que suena de lujo y, cuando lo pinchamos en otro sistema se nos cae el alma al suelo de la decepción. No es suficiente con que suene bien en mi estudio con mi sistema. Es necesario que suene bien en cualquier sistema si queremos ser competitivxs.
Y, al escuchar nuestro trabajo en distintos sistemas, tardaremos menos en encontrar lo que no funciona y en arreglarlo.
4. Usa Referencias a medida que Mezclas
Aunque es un tema muy manido, otro factor clave es el uso de referencias. Mezclas comerciales cargadas en nuestra sesión de mezcla como una pista más para poder ir escuchando y comparando a medida que mezclamos.
Este hábito no sólo no es pecaminoso sino que, además, es practicado por los grandes de la industria. Todos ellos usan mezclas de referencia para comparar y ser competitivos. Y nosotros podemos (y debemos) hacerlo también en casa. Porque nos ayudará a encontrar el contraste y saber qué le falta o le sobra a nuestra mezcla para sonar cercana a los estándares de la industria. Eso se traducirá en mayor profesionalidad, mejor acabado y competitividad al 100%.
Así que no es mala idea tomar los 5 temas de antes y usarlos también para referenciar nuestras mezclas. Y es mejor hacerlo a través de todos los sistemas que mencionábamos antes. Cuanto más contrastes tu trabajo con el de los pros y cuantos más sistemas de escucha diferentes utilices para hacerlo, antes harás de tu sonido uno realmente competitivo.
5. Encuentra el Balance entre Arte y Ciencia
Está claro que toda profesión, especialmente la que es un arte, requiere de dos factores: El Creativo y el Académico.
El lado Creativo es el importante. Hablamos de Música, llena de emociones y sensaciones que poco tienen que ver con una EQ o una Reverb y mucho con la creatividad y la sensibilidad.
Los procesos creativos se activan impregnándose y vomitando un montón de emociones ligadas a recuerdos. Por eso es tan importante escuchar tanta música como sea posible de modo analítico e intentar entender qué hace que una canción sea especial y nos haga vibrar. Todo eso es emoción, y es lo más importante en el proceso creativo. De hecho, la mezcla debe servir siempre a esa emoción y a cómo transmitirla de la mejor forma posible.
Por otro lado, el lado Académico, pese a ser menos importante, es igualmente decisivo, dado que es el que nos habilita para centrarnos sólo en el lado creativo. Si somos capaces de analizar una canción y saber qué nos conmueve de ella y queremos implementarlo en nuestro trabajo, el conocer las técnicas que nos pueden llevar a ello es esencial.
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