Guía de Mezcla

Durante la grabación del EP RETRO (que puedes descargar de forma gratuita pulsando aquí) que ha sido documentada en la serie [Hombre Orquesta] (también disponible para descarga pulsando aquí), hemos visto un montón de detalles que ayudan a humanizar y a dar calor a la música que hacemos mediante programación e interpretación segmentada. Y hemos visto hasta dónde llegan los beneficios de su uso.

Durante la mezcla, también hemos visto muchos detalles que han demostrado ser clave en la consecución de un sonido potente. Y he pensado en hacer una especie de lista y compartirla en el blog para que tod@s podamos beneficiarnos de los frutos del proceso.

Por supuesto que son cientos de detalles, pero creo que estos que se describen a continuación son, quizás, los más importantes o los que marcan de forma más dramática el sonido final del proyecto. Ahí quedan condensados.

BATERÍA

1. Chequeo de Fase: Es determinante. No podemos permitirnos tener elementos fuera de fase (ni en la batería ni en ninguna fuente grabada con más de dos micros a la vez). Recordemos escuchar en mono e ir invirtiendo la fase de una de las pistas en referencia a otra para ver si ganamos o perdemos grave.

2. Panorámica: Hay que decidir qué perspectiva (audiencia o intérprete) queremos para nuestra canción y mandar a su sitio cada elemento (bombo y caja al centro, timbales cada uno al lugar que nos muestre la pareja de aéreos, hat al lado correspondiente…).- También debemos recordar que los envíos a buses (para compresión paralela, efectos…) deben también respetar esa panorámica en todo momento.

3. Samples: En el entorno de grabaciones caseras, no es extraño el uso de samples para reforzar (o sustituir) nuestra batería, especialmente bombo y caja. Debemos recordar alinearlos y ponerlos en fase con las pistas a las que refuercen, para así sumar y no restar al combo global.

BAJO

1.Alineación: Es imprescindible tratar nuestro bajo para que vaya tan pegado al bombo y al patrón r´timico como sea posible. Eso nos dará un “groove” más certero y nos ahorrará problemas de graves, porque cuanto más sincronizados vayan bombo y bajo, más nítido será el grave de nuestro proyecto.

2. Divide y vencerás: Es muy útil tener una pista de bajo de linea (DI) y una de ampli (real o virtual) para poder partirlas en frecuencias y que la primera sólo ocupe el rango de medios y agudos y la segunda ocupe el de grave. Esto nos dará mucho más control sobre el low-end de nuestro proyecto.

3. Distorsión: La distorsión en la pista de linea es una ayuda muy buena para hacer que nuestro bajo se escuche bien entre tanta guitarra y, además, se oiga nítidamente en altavoces pequeños (portátiles, teléfonos…). Es interesante potenciar esta pista en una zona donde las guitarras tengan un pequeño corte, para así separar. De hecho, con el bombo (y cualquier pista que contenga información de graves) hacemos algo parecido

GUITARRAS

1. Menos es Más: Con las guitarras, más vale tener un buen sonido en la fase de grabación, porque a la hora de ecualizarlas, menos es más. Sólo movimientos sutiles mantendrán la naturalidad del sonido de guitarra, así que mejor echarle tiempo al buscar el sonido en la grabación (o incluso regrabar/reamplificar si en la mezcla se nos resisten).

2. Saturación: Los plug ins que emulan la saturación de cinta analógica (y que añaden armónicos superiores) funcionan especialmente bien con las guitarras (también con los aéreos, la caja, la voz…). Y más aún con las que grabamos con simuladores de ampli como los que hemos visto en la serie de videos.

3. Efectos: Es muy útil tirar de efectos agresivos cuando tenemos varias pistas de guitarra y, especialmente, si éstas son de ampli virtual. No debemos cortarnos a la hora de aplicar efectos a las guitarras solistas y de arreglo, dejando las rítmicas más gruesas.

INSTRUMENTOS MIDI

1. Facilidad. hemos visto lo fácil que es programar instrumentos MIDI y conseguir sonidos exóticos sin salir de casa. Casi cualquier instrumento puede ser clonado via MIDI. Y eso mola.

2. Sonido. Lo que no mola es que su sonido, muchas veces, es enlatado y fácilmente detectable (y detestable). Un abuso de instrumentos MIDI puede abaratar nuestro sonido de forma irremediable, cargándose todo el trabajo previo de humanización y realismo.

3. Posicionamiento. Debemos pensar en afilar nuestros instrumentos virtuales e intentar que se oigan nítidos y aporten la armonía que deben aportar pero que nunca se salgan de plano y siempre queden detrás de lo que suena mejor, para así intentar sumar mucho y restar poco al sonido global en términos de claridad y competitividad.

VOCES

1. Precisión. Es imposible que una canción suene profesional si nuestro cantante desafina como un lobo bajo la luna llena. Una cosa es un gallo aquí y una sílaba adelantada allá, y otra es una toma con constantes fluctuaciones de pitch. Por suerte, afinadores como Autotune (siempre en modo gráfico, no queremos sonar como Cher) son grandes aliados para converitr una toma “pasable” en una “óptima”. Pero aquí el intérprete es crucial, no lo olvidemos.

2. Coros. Los coros son de gran ayuda cuando van y vienen y enriquecen la escucha. Es importante alinearlos, tanto entre sí como con la voz principal, con el fin de evitar que distraigan o llamen la atención del oyente. Su función es la de colchón (salvo en duos y demás situaciones especiales donde no hablamos de voz+coros sino de voz+voz)

3. Planteamiento. Del volumen de nuestra pista de voz dependen muchas cosas, como lo pro que sonará el tema (si la voz se oye fuerte y clara, tendemos a pensar que el producto es mejor que cuando la voz está enterrada entre los instrumentos) o la pegada de nuestro tema (mientras que en algunos estilos la voz está adelante y prominente – Hip Hop – en otros suele insertarse más atrás – Rock, Metal – para dejar más protagonismo a guitarras y sección rítmica, lo que nos dará una mezcla más agresiva y pegona). En todo caso, la voz es uno de esos elementos que distinguen las mezclas pro de las maqueteras. Hay que tratarla con mucho mimo y picardía.

A mí me ha funcionado prestar atención especial a estos detalles. Espero que esta lista de ideas te sirva para reflexionar y/o añadir a tu método algunos procedimientos para cerciorarte de que tratas cada sección como merece y espero que tus producciones mejoren y mejoren hasta sonar que rompan. 🙂

¿Crees que hay algo que debería estar aquí? ¿Tú tienes otros acercamientos igualmente efectivos? No dejes de compartir tus ideas al respecto. Y gracias por hacerlo.

 

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